Action Painting

L'Action Painting, ovvero 'Pittura d'Azione', in cui molti forse erroneamente identificano l'espressionismo astratto (di cui uno dei padri fu certamente Kandinsky), consiste in una tecnica pittorica in cui il colore viene fatto sgocciolare (dripping) spontaneamente, viene lanciato o fatto precipitare sulla tela o altro supporto, facendo dell'opera un atto fisico unico ed irripetibile. Oserei dire addirittura che l'"evento artistico" consiste proprio nel gesto, che porterà al dipinto, che ne è "solo" il risultato finale.

Con l'utilizzo di questa tecnica lo 'studio' dell'opera lascia il posto ad un modo di dipingere istintivo e primordiale. E' una pittura immediata, libera, spontanea, nella quale tutto il corpo dell’artista viene coinvolto nella realizzazione dell’opera, di cui l’esecuzione è per lo più affidata alla gestualità del braccio. Essa è l’espressione di uno stato d’animo, lo scoppio di una carica d’energia, l’esplosione di una pulsione interiore che non si estrinseca secondo un predeterminato progetto, ma segue quasi automaticamente un incontrollabile impulso del profondo, (con evidenti richiami all’Espressionismo al Dadaismo, ma soprattutto al Surrealismo).

Il primo a parlare di Action Painting fu il critico americano Harold Rosemberg, nel 1952, in un suo articolo (“A un certo punto la tela apparve come un’arena dove agire”). 

Lo stile dell’Action Painting ben presto si diffuse negli anni Quaranta e negli anni Settanta, coinvolgendo sia artisti americani sia europei (Hartung, de Kooning, Rothko, Congdon, Gorky, Guston, Scanavino e tantissimi altri).

L'esponente più rappresentativo di questo "modo di fare pittura" fu sicuramente Jackson Pollock, pittore statunitense, del quale quest'anno ricorre il centenario dalla nascita. 

Grande influenza su Pollock, nello sviluppo di questa tecnica (oltre ovviamente alle tesi Freudiane ed alle sue frequentazioni con uno psichiatra Jungiano a cui mostrava i suoi schizzi), la ebbero i nativi americani e la loro pittura sciamanica, attraverso la quale l'uomo della medicina traeva le interpretazioni ed i presagi delle divinità. Lo spirito che parla attraverso il corpo di un uomo ed i suoi gesti, mentre questi viaggia in dimensioni diverse e lascia cadere al suolo le sue sabbie colorate.
Il dipinto così ottenuto sarà anche un oggetto di potere: nello sciamanesimo, infatti, si considerano tutti gli oggetti d'arte come oggetti di potere poichè contengono un'energia che si riflette verso le persone che li guardano. Gli spiriti guida suggeriscono i colori e i tratti del dipinto che agiranno a beneficio di chi ne sarà il possessore.

E sicuramente il potere dell'espressione artistica è quello di stimolare la propria capacità di rigenerazione fisica e mentale, di far emergere le proprie potenzialità, di condurre a conoscere meglio noi stessi al fine di conseguire sempre maggior benessere.

E' necessario riscoprire i colori che sono in noi, dipingere con l'anima, in connessione con la Fonte. Esplorare nuove possibilità, recuperare e far fluire la nostra energia, attraverso forme e colori che ci "parlano" di qualcosa che ha bisogno di vedere la luce, di essere liberato. 

Il dipinto prende forma a poco a poco, senza giudizio, lontano da concetti preconfezionati, con amore, porta emozioni, i colori vibrano e continueranno a dire sempre qualcosa di nuovo, e forse per sempre. Basta saper immergere una parte di se stessi nel colore e con questa nutrire quella tela bianca che reclama il colore. Sarà il dipinto stesso che poi ci dirà cosa vuole! Così lo Spirito ha ritrovato il corpo attraverso il quale può comunicare.

"Il linguaggio del cuore è una cosa che pochi uomini di città coltivano, perchè non si fanno guidare dai sentimenti. In compenso, usano molto il linguaggio della testa e perciò sono freddi. L’uomo di città è sempre desideroso d’apprendere cose nuove, riempiendosi la testa con molte nozioni che girano a vuoto nella sua mente. Queste lo fanno gonfiare di vanità e orgoglio, perchè è convinto di sapere tutto. In realtà non sa niente. Il suo cervello è un nido aggrovigliato di pensieri misti a paure, e in questo modo la testa si scalda e il corpo si squilibra. Non solo: a forza di ascoltare il cervello dimentica il cuore, lo zittisce e alla fine il suo cuore diventa muto. E non è solo questa parte del corpo a soffrire, ma l’intero organismo. L’uomo di città rinnega la sua alleanza con la Terra, così anche sè stesso."
"Bisogna conoscere le leggi naturali che permettono di comprendere la terra e i principi che ne dirigono la vita. Solo conoscendo quei principi potrai capire il messaggio della natura che si trova nell’acqua, nel vento, nella luce, nei minerali, nelle piante, negli animali e nell’uomo stesso. Solo così ti saranno chiari i motivi per cui il nostro popolo sente e agisce. Conoscendo questi principi, ti si spalancheranno le porte della sapienza." 

(Negli occhi dello sciamano, Hernàn Huarache Mamani)

Nel linguaggio del cuore è depositata e sigillata l’autentica essenza dell’uomo, che ritrova la propria natura, la propria semplicità e spontaneità liberandosi dalla schiavitù del tempo e delle abitudini che l'hanno corrotta. Così il corpo ritrova lo spirito e lo spirito ha un corpo ritrovato.

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The Action Painting, in which many might mistakenly identify abstract expressionism (one of the fathers was certainly Kandinsky), is a painting technique in which color is dripped spontaneously, is started or precipitated onto the canvas or other support, making the work a unique and unrepeatable physical act. Dare I even say that '"art event" consists precisely in the act, which will lead to the painting, which is "only" the end result.

By using this technique to study the opera gives way to an instinctive and primitive way of painting. It 'a painting immediate, free, spontaneous, in whom the whole body is involved in the making of the artist, whose execution is mostly assigned to the gesture of the arm. It is the expression of a mood, an outbreak of an energy boost, the explosion of an inner impulse that isn't expressed according to a predetermined plan, but it follows almost automatically an uncontrollable impulse of deep (with obvious references to Dadaism Expressionism, but also to Surrealism).
The first to speak of Action Painting was the American critic Harold Rosenberg in 1952, in his article ("At one point the painting appeared as an arena in which to act").
The style of Action Painting soon became widespread in the forties and the seventies of last century, involving both American and European artists (Hartung, de Kooning, Rothko, Congdon, Gorky, Guston, Scanavino and many others).

The most representative exponent of this "way of painting" was definitely Jackson Pollock, American painter, which this year marks the centenary of his birth.
Great influence on Pollock, in the development of this technique (and of course the Freudian theory and its frequent visits with a psychiatrist, Jungian who showed his drawings), were the Native Americans and their shamanic painting, through which the man of medicine derived interpretations and omens of the gods.
The spirit speaks through the body of a man and his gestures, as he travels in different dimensions and dropping to the ground its colored sands.
The picture thus obtained is also an object of power in shamanism, in fact, we consider all objects of art as objects of power as they contain energy that is reflected towards the people who watch them. The spirits suggest the colors and strokes of the painting that will act for the benefit of those who will be the owner.

And surely the power of artistic expression is to boost its capacity to regenerate physical and mental, to bring out their potential, lead to better know ourselves in order to achieve even greater prosperity.
It's necessary to rediscover the colors that are in us, paint with the soul, in connection with the Source. It's necessary to explore new possibilities, and recover our energy to flow through forms and colors that we "talk" about something that needs to see the light, to be released.
The painting takes shape little by little, without judgment, far from pre-packaged concepts, with love, brings emotions, the colors vibrate and will always continue to say something new, and perhaps forever. It's necessary to be able to immerse themselves in a part of this color and feed the white canvas that calls this color. Will the painting itself, which then tells us what he wants! So the Spirit has discovered the body through which can communicate.

"The language of the heart is something that few men who live in city grow, why not make yourself be guided by feelings. However, using the very language of the head, they are cold. The city man is always eager to learn new things, filling his head with many concepts that run the vacuum in his mind. they do swell of vanity and pride, because you think you know everything. Not really they know anything. Their brain is a tangled nest of thoughts mixed with fears, and in this way the head gets hot and the body is deranged. Still listening to the brain, they forget the heart, stops him and eventually his heart becomes silent. And this is not the only part of the body to suffer, but the whole organism. The city men away from their alliance with the Earth, so also themselves. "
"It's necessary to know the natural laws that allow you to understand the earth and the principles that redirect his life. Only by knowing these principles you can understand the message of nature that is found in water, wind, into the light, minerals, plants, in animals and in man himself. It's the only way you can understand the reasons why our people feel and act. Knowing these principles, you will throw open the gates of wisdom. "

(In the eyes of the shaman, Hernàn Huarache Mamani)

In the language of the heart is sealed and deposited the true essence of man, who finds his own nature, its simplicity and spontaneity, freed from the bondage of time and habits that corrupted it. So the body finds the spirit and the spirit has a body refound.

Manifesto del Movimento Artistico del "Dinamismo Cosmico"

 
Manifesto del

Movimento Artistico del 

"Dinamismo Cosmico"

  

Redatto da Giosuè Allegrini ed Enzo Dente (Fondatore del Movimento)

L’ Arte deve rendere visibile ciò che è impudentemente nascosto dalla umana percezione: il “Cosmo” spazio-temporale-mentale che ci circonda, ed al contempo ci permea, si trasforma incessantemente in quanto regolato da “dinamiche leggi“ basate sulla tensione universale degli infiniti contrasti che costituiscono il sempiterno motore primo, la genesi del continuo divenire. L’essere umano spesso non afferra che anche realtà e fantasia vengono a mescolarsi perennemente fra di loro in forza di questa proiezione cosmica, in quanto il tourbillon dei quotidiani eventi porta le visioni spazio immaginifiche ad essere frullate in un rutilante caleidoscopio che ubriaca la mente come la spumeggiante onda di un tempestoso mare.

Lo svincolarsi progressivo da qualsiasi riferimento contingente e pregiudizievole consente all’ Artista di insinuarsi profondamente nelle dimensioni interiori della collettività, spesso metabolizzate dall’uniformità imperante e globalizzata, fino a giungere ai remoti confini degli alfabeti dinamici dell’astrazione evocativa e da lì derivare, quale moderno demiurgo, le leggi del perpetuo divenire.

L’indagine pittorica per poter cogliere questa recondita meta deve quindi necessariamente seguire un percorso a1chemico definito da continue trasmutazioni.
E’ dunque indispensabile, da parte dell’ Artista, concentrare le ricerche in maniera sistematica, ossia indagando sui rapporti lasso-dinamico-cromatici derivanti dalle continue mutazioni del trinomio tempo-linea-colore.

In questa plaga trans-formale si riescono a scoprire le infinite fluttuazioni di un substrato concettuale pentadimensionale (ossia decifrabile, appunto, attraverso coordinate crono-spazio-­mentali) perennemente transeunte.
Operando quindi nella miscellanea cosmica degli accostamenti predetti si perviene all’ armonia assoluta perché lì scaturisce l’essenza dinamica dell’ineluttabile variazione.
Non bisogna dunque mai cedere alle sirene dell’indulgenza, dell’abbellimento, alla riduzione; è invece necessario rimuovere la buccia delle forme contingenti e procedere, come un occhio ubiquitario, sulla strada degli infiniti inviluppi che portano alla dimora del soffio vitale cosmico.

Chiave di volta è la tensione infinita, che raggrumandosi nelle macchie di colore materico, deve poter espandersi ed esplodere in variopinti spruzzi ed ampi graffi che tagliano e fanno vibrare il cielo.
Gli oggetti e le forme rappresentate nell’opera artistica, tela o scultura che sia, possono essere sì ripetuti ma mai seriali perché ciò porterebbe alla monotonia della rappresentazione, la qual cosa coinciderebbe con la morte della psiche partoriente e dell’universo spazio temporale ad essa correlato.
Anche l’utilizzo di materiali difformi e contrastanti, fra loro, intervenendo a smaterializzare la pittura porta ad accentuare la scansione mentale di queste indagini cognitive. La dinamicità della visione cosmica è dunque raggiunta attraverso il ritmo organico e vibrante dei trinomi segni-oggetti-colori che tracciano il movimento universale appoggiandosi in zone spazio temporali in cui vuoti e pieni si susseguono come cirriformi nuvole, svettanti nel cielo.

L’Artista deve, in ultima analisi, arrivare all’esaltazione cronologica dello spazio cromatico e della forma modulandole con rinnovata plasticità al fine di visualizzare sul supporto bidimensionale, o scultoreo, l’esperienza del movimento dinamico e ritmico, timbrico ed armonico, dell’anima entropica del Cosmo.

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The Manifesto of The Artistic Movement 

"The Cosmic Dynamism"

Written by Giosuè Allegrini and Enzo Dente (Founder of the Movement)

The Art must make visible what is hidden from human perception shamelessly: the "Cosmos" space-time-mind which surrounds and permeates us both, as it turns incessantly controlled by "dynamic laws" based on the universal power of endless conflicts that constitute the eternal prime mover, the genesis of the ever-changing. The human being often does not understand that reality and fantasy are constantly to blend with each other by virtue of this cosmic projection, since the whirlwind of daily events brings the imaginative visions of space to be pureed in a glowing kaleidoscope which inebriates the mind as the foaming waves of a stormy sea.

The gradual break free from any reference to quota and prejudicial allows the Artist to insinuate itself deeply into the interior dimensions of the community, often metabolized by the dominantand globalized uniformity until it reaches the remote borders of the dynamical alphabets and evocative abstraction and derive from there, which a modern demiurge, the laws of perpetual becoming.

The pictorial survey in order to grasp this hidden goal must necessarily follow a path defined by continuous alchemical transmutations.
It is therefore vital, for the Artist, concentrate his research in a systematic manner, investigating the relationships lapse-dynamic-chromatic resulting from the continuous mutations of the trinomial time-line-color.

In this trans-formal zone it's possible to discover the infinite fluctuations of a conceptual penta-dimensional substrate (that is readable, in fact, across th chrono-mental-space coordinates) perpetually transient.
Working then in the cosmic mixture of the above combinations until we can reach an absolute harmony because there we can arise the dynamic essence of the ineluctable changes.
There must therefore never yield to the sirens of indulgence, of the embellishment, to the reduction, it is necessary to remove the peel of contingent forms and proceed as an ubiquitous eye on the road of endless envelopes that lead to the abode of the cosmic breath.

Keystone is the infinite tension, which coagulated into splashes of color materic, must be able to expand and explode in colorful splashes and large scratches that cut and vibrate the air.

The objects and shapes represented in the artwork, painting or sculpture that can be repeated but never serial so because this would lead to the monotony of representation, which would coincide with the death of the psyche in labor and space-time universe with it correlated.

The use of dissimilar and contrasting each other materials by intervening to dematerialize the painting, leads to a mental scanning focus of these cognitive investigations. The dynamics of the cosmic vision is thus achieved by the organic and vibrant rhythm of the trinomi sign-color-object that traces the universal movement, leaning in space-time areas where the empty and the full follows one another like clouds, soaring in the sky.

The artist must, ultimately, to reach chronological exaltation of the chromatic space and form modulating them with renewed plasticity in order to display the two-dimensional support, or sculptural, the experience of dynamic movement and rhythm, timbre and harmony, of entropic soul of the Cosmos.

Arte Italiana Contemporanea. Francesco de Marco: La Mia Pittura

Arte Italiana Contemporanea. 
Francesco de Marco: La Mia Pittura

Premessa:

"Guendalina: Ricordi di Guerra" (Gwendolyn: Mmories of War)  
Pastello su cartoncino cm.30x40 (2007)

"Perché un'opera d'arte sia veramente immortale è necessario che esca completamente dai confini dell'umano: il buon senso e la logica la danneggiano. In questo modo essa si avvicinerà al sogno e alla mentalità infantile. L'opera profonda sarà spinta dall'artista nelle profondità più recondite del suo essere: là non giunge il sussurrare dei ruscelli, il canto degli uccelli, il fruscio delle foglie. Ciò che io ascolto non vale nulla, ci sono solo i miei occhi che vedono, aperti, e più ancora chiusi.
Quello che importa è soprattutto sbarazzare l'arte di ciò che essa contiene di conosciuto sino ad oggi: ogni idea, ogni simbolo deve essere messo da parte.
Bisogna avere una grande certezza in se stessi: è necessario che la rivelazione che noi abbiamo di un'opera d'arte, che la concezione di un quadro riproducente la tal cosa senza senso alcuno per se stessa, senza soggetto, senza significato dal punto di vista della logica umana, è necessario, dico, che una simile rivelazione o concezione sia talmente forte in noi, ci procuri una così grande gioia o un così grande dolore da sentirci costretti a dipingere spinti da una forza più grande di quella che spinge un affamato a mordere come una bestia il pezzo di pane che gli capita tra le mani" (Giorgio de Chirico, 1914)

La Mia Pittura

Pittoscrittura, così Angelo Calabrese ha definito la mia pittura. Io condivido questa sua visione così ad ampio respiro, restìo come sono a vedermi incasellato in un'unica corrente culturale. Il mio lavoro pittorico lo definisco un discorso intimo fatto di segni, di colore, di interruzioni e riprese, intrecci e vortici, in una comunicazione continua con l’opera e con chi ne fruirà. Una comunicazione che prosegue, da un lavoro all’altro, fino a che non sento di aver esaurito, almeno temporaneamente, ciò che volevo dire.

Senza Titolo (Untitled) - Pastello su cartoncino cm. 30x40 (2007)

Poi dirigo il mio sguardo oltre, oltre le montagne, dove immagino ci possa essere un'altra valle ed un nuovo orizzonte da esplorare. E proprio là sono spinto a andare con fervore e fanciullesco entusiasmo per la scoperta. Ma appena la raggiungo, già quasi non m’interessa più. Non mi fermo più molto su quanto ho raggiunto. Sento l’esigenza di andare più avanti, di misurarmi con altre cose, o magari di riprendere discorsi che ritenevo conclusi in precedenza, e che invece ritornano in me sotto una luce diversa, che me ne fa scorgere altri aspetti.

Leggo, studio, osservo, contemplo. Cerco di raccontare e raccontarmi in modo differente, in un’altra unità di tempo in un diverso spazio. Talvolta sono portato a non ripetere il procedimento, il linguaggio, lo stile usato una volta, pur riportandone intimamente la traccia, ma con altri colori, con un ritmo diverso.

Per questo amo l'improvvisazione, la musica jazz. C’è un’idea di base, una melodia e un’armonia, su cui si vanno ad intrecciare le note, i colori dell’improvvisazione. Con la stessa tensione emotiva, sul filo come un acrobata, che cerca l’equilibrio senza cadere, m’impongo di riuscire a camminare sul filo della mia creazione.

In ciascuno dei miei lavori l'istante è differente. La mia creatività deriva dalle mie origini e la pittura è diventata la mia vita. Potrei dipingere anche in eterno, se la vita fosse eterna. Ma dipingo sempre con urgenza: difatti ogni tanto, mentre dipingo mi chiedo: “dove riuscirò ad arrivare?”, “farò in tempo a terminare le mie opere?”. Mah! E poi, cosa vuol dire terminare un'opera? Tante cose. Certamente non vuol dire avere la meglio sull'opera, quanto piuttosto riuscire a strappare efficacemente all’oblìo momenti di vita con tutte le loro emozioni e trasmetterli ad altri.

Francesco de Marco

Italian Contemporary Art. 
Francesco de Marco: My Painting.

Introduction.

"Fiori e Farfalle" (Flowers & Butterflies) - olio su tela cm.50x50
(2010) - Private Collection

"For a work of art, to be truly immortal, it is necessary to come out completely from the confines of the human: the common sense and the logic could damage it. In this way the work of art will approach to the dream and to the child mentality. The deep opera will be pushed by the artist in the most recondite depth of his own being: there I don't reach the whispering streams, birdsong, or the rustle of leaves. What I hear is nothing, there are only my eyes: they see, if they are opened, and see still more if they are closed.
All we care, above all, is to rid the art of what it contains about the known till now: every idea, every symbol must be set apart.
We need to have a great confidence in ourselves: it is necessary that the revelation we have of a work of art, that the conception of a painting depicting such a thing without no meaning in itself, no subject, no significance from the point of view of human logic, it is necessary, I say, that such a revelation or conception must be so strong in us, to procure us such a great joy or a pain so great that we will feel obliged to paint driven by a force greater than that which pushes a hungry like a dog to bite a piece of bread that falls into the jaws " (Giorgio de Chirico, 1914)

My Painting


Pictograms, so Angelo Calabrese has defined my painting. I share this vision so wide-ranging, as I'm reluctant to see me pigeonholed into one cultural trend. I define my painting an intimate discussion of signs, color, which stops and starts, through twists and whirls in continuous communication with whom of them will receive it. It’s a communication that goes from one job to another, until I feel I have exhausted, at least temporarily, what I meant.

"Fiori per Te" (Flowers for you) - olio su tela cm. 50x50 (2010)
Private Collection

Then I direct my attention beyond, beyond the mountains, where I imagine there might be another valley and a new horizon to explore. And there I am moved to go with childish fervour and passion for discovery. But as soon as I reach, almost I don’t care. I don’t stop a lot more of what I have just reached. I feel the need to go further, to measure myself with other things, or maybe to resume some talks those I thought concluded previously, and instead they return to me under a different light, which makes me see them under others aspects.

I read, study, observe and contemplate. I try to tell and tell me differently, in another unit of time in a different space. Sometimes I tend to not repeat the same painting process, the language or the style used once upon a time, although intimately I'm bringing it back the track, but with other colours, with a different rhythm.
This is why I love improvisation, the jazz music. There is a basic idea a melody and an harmony on which are interweaving the musical colors of the improvisation. I force myself to be able to walk on the edge of my creation with the same emotional tension, like an acrobat on the wire, who seeks the balance without falling.

The moment is different in each of my works. My creativity comes from my background and the painting has become my life. I could also paint forever, if life were eternal. But I paint always with more urgent: in fact every now and then, while I paint I wonder: "where I could arrive?", "I'll have time to finish my work?". Well!
And then, what it means to "finish a work"? A lot of things: certainly not to prevail the artwork, but rather be able to effectively rip to oblivion some moments of life with all their emotions and send them to other people.

Francesco de Marco